lunes, 21 de mayo de 2018

Pole dance

Permítanme iniciar explicando cómo fue que esta actividad llegó a mi vida. Pole dance, Pole sport, Pole fitness, Pole exotic, Pole urbano, Sexy Pole y Pole art son algunos de los nombres que recibe esta disciplina que trabaja la fuerza, la resistencia, la elasticidad, el movimiento y la coordinación del cuerpo a través de un tubo vertical de acero, combinando el baile con la escena teatral; de ello me siento profundamente enamorada y puede que suene cursi, pero sí, lo reafirmo: enamorada.


Ya son varios los meses de práctica y aún recuerdo mi primer día de clase: las profesoras me recibieron muy amablemente, me cambié y empecé a realizar el calentamiento. Lo primero es el reconocimiento del tubo: lo sentí frío, extraño y muy liso. Luego vino la aplicación de los giros alrededor de él, aunque debo admitir que me dio mucha dificultad pues llevaba más de dos años sin hacer actividad física y tenía más peso del habitual; siempre he sido muy delgada por constitución, por algo me llaman “La flaca”, pero en esa época me llamaban “La exflaca” por los kilos de más, un apodo muy molesto y que evidencia que el cuerpo de las mujeres siempre está en la mira de todos, pero ¿qué les importa a otros si estoy flaca o gorda?

Bueno, pero rebobinando, todo esto del Pole dance empezó un día en el que me sentí motivada para hacer deporte; es importante mencionar que hacer ejercicio regular es beneficioso para la salud tanto física como psicológica, y eso era lo que yo necesitaba en ese momento, alivianar un poco mi cuerpo y mente; pero no sabía qué deporte empezar a practicar, entonces inicié con el gimnasio y no funcionó, era aburrido y monótono. Tiempo después vi un video en internet de una chica haciendo una rutina de Pole dance y me quedé con la boca abierta, literalmente, pues me pareció maravilloso y se me metió en la cabeza que eso era lo que yo quería hacer.

Busqué en qué lugares de mi ciudad se dictaban clases y encontré una academia que me permitió enamorarme mucho más de esta práctica del Pole dance. Entre las ventajas y los beneficios de este deporte, que cuenta con exigentes competencias locales, nacionales e internacionales, en las que el país ya tiene varios títulos, además de una Federación Colombiana de Pole Sport, se encuentran:

1. No hay una edad estándar para empezar a practicar, desde la persona más joven hasta la más adulta pueden hacer Pole dance, como ejemplo de ello está Emily Moskalenko, una niña ucraniana de ocho años que apareció en el show de talento rumano “Next Star”, en el año 2015; o Tomoko, una mujer de 70 años que practica Pole dance y deslumbró con sus habilidades en un programa italiano en 2016. 

2. Tanto hombres como mujeres pueden practicar Pole Dance, pero es una realidad que en su mayoría somos las mujeres las que más lo practicamos, debido a la feminización del deporte, la cual genera también que muchos hombres vean afectada su masculinidad en este tipo de actividades, trayendo como consecuencia su abstención a practicarlo.

3. No se requiere tener un cuerpo o peso específico, resulta un poco obvio, aunque a veces parece lo contrario. Tenemos cuerpos diferentes, pero sin categorizar, afirmo: todos y todas podemos practicarlo.

4. Cualquier condición física puede acercarse a este deporte. Aunque es importante entender que avanzamos a ritmos diferentes, así que no hay prisas; cada figura nueva es un reto personal.

5. Para practicar Pole dance es necesario usar poca ropa para facilitar la adhesión o fricción del cuerpo al tubo, además para no limitar el movimiento, pues la intención aquí no prima en querer provocar sino en llevar el cuerpo hasta su límite.

Entre otras características que se rescatan del Pole están su diversidad, transgresividad y versatilidad, las cuales me anclan a él: el Pole es liberador, permite el autoreconocimiento del cuerpo, el compartir con otros y otras; te reta, aumenta nuestra seguridad, requiere de disciplina y constancia, nos permite adoptar el estilo que queramos sin necesidad de cambiar la sensualidad por la acrobacia y viceversa. Además, ¿qué tiene de malo ser y sentirse sensual? Con el Pole eso es posible y desde ahí parten la mayoría de críticas que, en realidad, saben muy poco de lo que significa esta práctica, la cual requiere de mucha disciplina y esfuerzo.

Finalizo enfatizando que practicar Pole dance permite el desarrollo de muchas competencias para afrontar cualquier situación vital. En las mujeres incita a salir del espacio doméstico al espacio público, estimulando las relaciones personales y sociales; facilita la experimentación del placer corporal negado por tradiciones conservadoras y religiosas; además, permite un reconocimiento corporal, una aceptación y una relación más armónica con todos nuestros tipos de cuerpos. En síntesis, el Pole dance aporta al empoderamiento de las mujeres, por eso es políticamente correcto.

Hacer deporte y querer cuidarse, querer nuestros cuerpos, sin necesidad de buscar la validación masculina es un acto valioso de libertad. Así que no acepto los comentarios que denigran a las mujeres y a los hombres que practican Pole dance y sus variantes, que lo colocan en la categoría de lo vulgar. Yo no bailo en el tubo para llamar tu atención, no bailo en el tubo para tu disfrute sexual, no bailo en el tubo para sentirme validada por los demás: yo bailo por mí y para mí, porque el Pole dance no solo es un deporte, es arte.

Autora: Yesica Duque

lunes, 14 de mayo de 2018

Una historia visual de la salsa en Nueva York

La salsa es más que música. Un movimiento nacido en el extranjero y nutrido por las comunidades de inmigrantes en el corazón de la ciudad de Nueva York, el uptempo, la percusión y la música de trompetas combinada con ritmos latinos y afro-caribeños crean el primer género musical pan-latino que refleja la gente que lo hacía y bailaba a su ritmo.

"La salsa nunca fue realmente pura porque combinaba siempre sonidos diferentes. Lo llamaron salsa, pero artistas como Willie Colón, quien trabajó con Héctor Lavoe, hizo música para los puertorriqueños. Otros músicos se centraron en los sonidos cubanos", dijo el doctor Derrick León Washington, curador postdoctoral que desarrolló 'Rhythm & Power: Salsa in Nueva York', una exposición en el Museo de la Ciudad de Nueva York. "Los músicos estaban escuchando otros tipos de música: el boogaloo y el R' & B' a finales de los años 60, el soul en idioma inglés y la música disco de los años 70".

Grandes sellos discográficos como Fania, y los artistas firmados con ella, tomaron esas influencias y se centraron en hacer música en español, pero sin apuntar a ninguna cultura en particular. La naturaleza inclusiva de la Salsa creó un inmenso poder social y gran orgullo entre sus oyentes, quienes utilizaron la Salsa como un trampolín para el activismo.

"La salsa cuenta la complejidad de los puertorriqueños, latinos, gente de color, lo bueno, lo malo y todo lo demás", dijo Washington. "La Salsa mostró un orgullo en la gente - no que fueran mejores que cualquier otro grupo étnico, pero sí una redistribución del poder de una mejor manera para cada uno, lo que demostró que no eran un problema o una minoría, apenas buenos como todos los demás".

En Rhythm & Power, el equipo de curadores de MCNY utiliza la fotografía de conciertos, lo efímero, los videos y las ilustraciones de álbumes, para mostrar una cultura neoyorquina cuyas influencias han tocado al mundo entero. Aquí, el museo comparte imágenes selectas que muestran cómo la Salsa influyó en el activismo en la ciudad de Nueva York de los años 70, así como la cultura de baile única que sigue definiendo el género hoy.

El estilo específico de la danza de salsa de Nueva York tiene sus raíces en las manías del baile latino de los años 60, incluyendo el mambo, la charanga y la pachanga.

"Lo que es diferente en la Salsa de Nueva York es realmente el uso de trompetas y trombones. Los trombones y los cuernos imitan lo que está pasando afuera en la ciudad de Nueva York", dijo Washington. "No es suave como otros tipos de música caribeña."

"Yo imagino la salsa como algo similar a la música punk o hip-hop o jazz de Nueva York porque comenzó a partir de músicos entrenados y músicos autodidactas", dijo Washington. "Se inició principalmente con la clase obrera o en barrios pobres como una voz de la gente y se extendió, como popular y gran fabrica de dinero, un sonido global".

Hay controversia sobre lo que es la salsa y dónde comenzó - en Puerto Rico o en Cuba. "Argumento lo que es la salsa como una industria, una gran industria que comenzó durante la moda del mambo en la década de 1950", dijo Washington. Eddie Palmieri creó sonidos latinos más pesados, más bailables en los tempranos 60's, sustituyendo los violines por los trombones - que influirían más adelante en la Salsa. Sin embargo, Palmieri ha calificado a la salsa de "mal entendido y falta de respeto" a los diferentes patrones rítmicos. "Tienes que empezar con la rumba. De eso viene el yambú. Tienes guaracha, mambo, cha-cha-cha. Todos tienen sus nombres propios ", dijo Palmieri.

La salsa surgió de las calles y clubes de Nueva York en los años 70, cuando la ciudad se enfrentaba a la quiebra, el crimen se disparaba y muchos vecindarios de bajos ingresos y clase obrera estaban bajo asedio social y económico. En El Barrio, el sur del Bronx y el Lower East Side - lugares con grandes poblaciones latinas y donde vivieron muchos músicos - la exuberancia de la salsa sirvió de banda sonora para el activismo y la recuperación.

Mientras que la salsa se puede considerar como simplemente música de baile, sus músicos y letras hablaron a las realidades de la vida cotidiana. El Conguero Ray Barretto (cuya influencia se puede sentir tanto en el boogaloo como en el jazz y la salsa) fue el director musical de Fania All-Stars, un grupo de salsa con Joe Bataan, Willie Colón, Mongo Santamaría, Pete "El Conde" Rodríguez y otros. Él era uno de muchos artistas de la salsa que iría a tomar una postura política en su música.

"Ray Barretto es un activista centrado en la sociología, lo que está pasando con la ciudad de Nueva York, por qué hay drogas y tanta violencia", dijo Washington. "La Gran Fuga de Willie Colón tiene una imagen del FBI en la portada. Es una especie de broma, poniendo un personaje de tipo malo, pero también resonó con la gente cuando NYC estaba a punto de llegar a la bancarrota.

"La Salsa llegó a la prominencia junto con el surgimiento del Movimiento de las Artes Negras, el movimiento Nuyorican y el grupo nacionalista / activista puertorriqueño Young Lords. "Lo que realmente me interesa de esa época, y se relaciona con la exposición ... es la narrativa general de los puertorriqueños como pobres, como delincuentes. Es también la idea del orgullo, que eran como eran ", dijo Washington.

"Cuando los medios de comunicación y las exposiciones sólo hablan de pobreza e inmigración en relación con la comunidad latina, no se habla de las múltiples y completas experiencias de esta comunidad de comunidades que se cruzan", dijo Washington. "Estamos cansados ​​de estas narrativas."

La potencia vocal cubana, Celia Cruz, fue ganadora de Grammy, fue la reina de la salsa, produciendo 23 álbumes de oro durante su carrera y recibiendo una Medalla Nacional de Artes. Grabó ocho álbumes para Tico Records con Tito Puente, tres álbumes con Willie Colón y fue miembro de Fania All-Stars. Tenía una voz operística, un estilo rítmico, una habilidad para la improvisación y una colorida presencia escénica. Cruz era conocida por llevar pelucas enormes y una sucesión de coloridos zapatos de tacón único. Ella era singular en más de una forma.

"No había muchas cantantes sino muchos cantantes masculinos. Esto lo muestro con un cartel de Fania que dice "Salsa is King." En él hay músicos masculinos sentados, con hermosas mujeres de pie ", dijo Washington. "Éstos eran chicos del barrio, todos los chicos de clase trabajadora, ahora están en trajes de tres piezas. Todos tenemos que ser honestos con la historia de cómo la salsa fue y se comercializa.

Por no hablar de sus músicos extremadamente talentosos, las campañas pesadas de la comercialización ayudaron a definir el género y ganar los primeros Grammys para la Salsa. Compañías discográficas como Fania lanzaron música influyente que fue ampliamente distribuida y finalmente aceptada por artistas no latinos como Stevie Wonder, cuyo éxito en 1973 "Don't worry about a thing" incluye ritmos cubanos. Sin embargo, siguiendo la tradición de muchos géneros ascendentes, había tensión entre los sellos y los artistas.

"Es muy complejo - en algunos casos los artistas podrían haber sido explotados. Por otro lado, con Fania Records y otras compañías, se decía que los artistas nunca leían los contratos", dijo Washington. "Había algunas compañías como Alegre Records que sacaban buena música y la idea no era hacer toneladas de dinero. Fania publicó buenos discos que no ganaban dinero y compartían diferentes tipos de música; También llamaron Salsa a mucha música que no lo era.

"La danza es importante: reúne a la gente, es también una forma adecuada de aprender, mantener a la gente saludable y desafiar la forma en que vive la gente", dijo Washington sobre su exhibición. "A través del poder de la danza, la gente desafía los sistemas políticos, la pobreza."

El baile de Salsa en Nueva York tiene su propio estilo, fue liderado por Eddie Torres en el club nocturno Corso en East 86th Street e inspirado en la música de Tito Puente. Los bailarines de salsa de Nueva York hacen sus movimientos en el segundo conteo (también llamado "Salsa en Dos"), con la mujer comenzando en el avance. Torres, que todavía enseña y ha inspirado a innumerables instructores de salsa, contrasta su estilo con la salsa al estilo de Los Ángeles, que comienza en la primera cuenta.


Cuando Eddie Torres comenzó a codificar su estilo, buscó el baile de salón y dio diferentes nombres a sus movimientos. Tratar de "sofisticar" el estilo de la calle puede ser problemático, señaló Washington, porque los bailarines de Nueva York tienen tantas influencias regionales e históricas: "Nunca podemos decir cómo bailar salsa en la ciudad de Nueva York. Ningún otro país baila como nosotros, porque hay tantas otras influencias, desde Puerto Rico hasta Broadway.

Siguiendo la evolución de la "salsa dura" de los años 70 en las orquestaciones más suaves y lentas de la salsa romántica de los años 80 y 90, la cultura de la salsa se centra hoy en torno a bandas de reunión y música grabada que mezcla "salsa dura" con merenge y bachata. Localmente, hay un mercado enorme para las clases de salsa, sociales y bailes de salón. En todo el mundo, muchos países latinos han desarrollado su propia afinidad por la música.

"Fueron en su mayoría cubanos antes del ascenso de la Revolución Cubana, y más tarde puertorriqueños después del embargo. Ahora la gente de Colombia, Ecuador tienen escenas de salsa. La salsa es la voz de los diferentes grupos étnicos latinos; Otra música no es esa voz ", dijo Washington.

Texto: Jessica Lipsky

lunes, 7 de mayo de 2018

Seis maneras de mejorar tu flexibilidad

Nuestra mirada se siente naturalmente atraída por las líneas y movimientos amplios, en la danza, eso a menudo se traduce en la mayor extensión.

Pero, ¿y si naces sin esas líneas extremas dignas de las fotos de Instagram? Es una cuestión de trabajar el desarrollo de la alineación, así como en el fortalecimiento y estiramiento teniendo en mente una mejor mecánica corporal.

Regla 1: No te contraigas

Es importante tener nociones básicas de anatomía: los músculos principales responsables del levantamiento de la pierna por el lado y el frente son el psoas, cuádriceps y tensor de la fascia lata (TFL). Al realizar el arabesque utiliza los glúteos, isquiotibiales y los músculos de la espalda baja.

Estos músculos "motores" funcionan mejor cuando los rotadores profundos, los músculos internos del muslo y los músculos abdominales profundos, estabilizan la cadera. Si permites que los motores multitarea hagan de multitarea como estabilizadores, esto conduce a la rigidez, lo que significa que esos músculos no se pueden mover libremente.

"Cuando veo bailarines que luchan por levantar la pierna, el problema generalmente proviene de contraer los cuádriceps, TFL o glúteos", dice la fisioterapeuta Emma Faulkner, que trabaja para el Atlanta Ballet. La clave es fortalecer esos pequeños músculos estabilizadores para que hagan su trabajo y no tengas la tentación de agarrarlos.

Ejercicio estabilizador fortalecedor
  1. Túmbate de espaldas con los talones encima de una gran bola de estabilidad, con las piernas estiradas y juntas, en paralelo.
  2. Haz el puente con tus caderas, estirando tu ombligo hacia tu columna vertebral para activar tus abdominales sin contraer los glúteos.
  3. Gira las piernas a la primera posición, activando los rotadores profundos.
  4. Regresa a paralelo y baje sus caderas.

Repite de 5 a 10 veces.

Ejercicio reforzador de rotador
  1. Con cada pie en un disco giratorio, gíralo a la primera posición, luego haz demi-plié.
  2. Transfiere el peso a una pierna y lleve la otra al coupé.
  3. Si tu apertura y la estabilidad del disco te permite, levanta a passé. No contraigas la parte superior de los glúteos. Deberías sentir la activación más baja, en el suelo pélvico.
  4. Avanza hacia attitude (frontal, lateral o posterior) y, finalmente, développé mientras puedas mantener la rotación y la estabilidad de la pierna que va al suelo. Haz algunas respiraciones en cada posición. Prueba con una pierna estirada y una en demi-plié. Para o retroceda un paso si ocurre la contracción muscular.

Repite con tu otra pierna.

Regla 2: encuentra tu alineación

Busca la posición correcta, sugiere Jenifer Ringer, decana del Trudl Zipper Dance Institute en Colburn School en Los Angeles. "Si la colocación en tu "en dehor" es adecuada, tu fuerza aumentará gradualmente y tus piernas eventualmente subirán".

Asegúrate de que tu peso esté en la planta del pie. "El peso no puede estar en el talón en la segunda, eso hace que el trabajo de la pierna sea demasiado pesado", explica Ringer.

Del mismo modo, evita las rodillas hiperextendidas. "La hiperextensión desactiva los músculos que necesitas para mantenerte en una pierna y luego la pelvis se inclina hacia adelante, lo que fomenta la tensión", dice Faulkner. "Si bien la hiperextensión es bella, solo debes usarla en la pierna que está fuera del suelo".

Por último, tus caderas deben estar alineadas, no inclinadas hacia delante o detrás, e incluso de derecha a izquierda.

Regla 3: involucrar al Psoas

Para levantar la pierna por encima de 90 grados, el psoas es el mejor flexor de cadera que se puede usar, dice Faulkner. Pero los bailarines a menudo tienen músculos del psoas débiles y sobrecargados. "Cuando los músculos se atascan en un estado de exceso de contracción", dice ella, "abandonan y se vuelven débiles y sobrecargados, y no pueden alargarse adecuadamente". Un error común es compensar un psoas débil y sobrecargado con el uso en exceso de los cuádriceps y el TFL.

Ejercicio reforzador de Psoas

1. Túmbate de espaldas, con las caderas en el suelo en una posición neutral, con los talones sobre una pelota de estabilidad, con las piernas extendidas.

2. Encuentra tu psoas derecho palpando con los dedos entre el ombligo y el hueso de la cadera. (Para quienes tienen el psoas sobrecargado esto puede ser doloroso, así que pruebe ligeramente; para otros, puede que no sientan el músculo hasta que lo activen). Coloca la mano izquierda en tu cuadriceps.

3. Al exhalar, levanta la pierna derecha de la pelota con el psoas, sin tensar las piernas o los glúteos. "Mantén la columna vertebral neutral, no aprietes el trasero, no aprietes nada", dice Faulkner. "Usa tu exhalación para contraer el suelo pélvico y los abdominales profundos hacia la búsqueda de tu psoas".

Repita 10 veces en cada lado.

Regla 4: Usa tus glútos primero

"Los problemas con el arabesque pueden provenir de un psoas acortado o un patrón incorrecto de activación muscular", dice Faulkner. "Algunos bailarines intentan levantar primero la pierna desde la espalda. La secuencia correcta es activar los glúteos, luego los isquiotibiales y luego los músculos lumbares".

Ejercicio activador de Arabesque

1. Túmbate boca abajo, con las piernas paralelas, las rodillas relajadas y los dedos de los pies metidos como preparación para el tablón.

2. La mano derecha puede estar debajo de la frente y la izquierda puede descansar sobre los glúteos izquierdos.

3. Levanta la rodilla izquierda del suelo, activando solo tus glúteos.

4. Una vez que puedas hacer eso, levanta tu pie mientras giras un poco la pierna, sintiendo que los isquiotibiales se enganchan.

5. Finalmente, para levantar la pierna más arriba, deja que los músculos de tu columna lumbar se enganchen.

Repite hasta que el patrón de activación ocurra naturalmente, luego cambia al otro lado.

Regla 5: estirar estratégicamente

Como los bailarines saben, la flexibilidad es solo la mitad de la ecuación en la extensión. "Nuestro fisioterapeuta sigue diciéndole a mis alumnos que no se estiren demasiado, porque sacrifican fuerza", dice Ringer. Para ayudar a los estudiantes a ganar flexibilidad de forma gradual a la vez que se fortalecen lo suficiente para mantenerla, en Colburn los estiramientos se realizan suavemente y nunca más de 30 segundos de una vez.

Troy Powell, director artístico de Ailey II, acredita la técnica de Horton para la construcción de las hermosas líneas por las que se conoce a los bailarines de Ailey, porque equilibra el entrenamiento de la fuerza junto con el estiramiento inteligente. Su clase incluye una variedad de estiramientos, pero es solo después de un largo calentamiento que aumenta la fuerza. "Los estudiantes deben enfriarse inmediatamente después de la clase", dice Powell. "Mientras tu cuerpo todavía esté caliente, trabaja en cualquier estiramiento adicional que puedas necesitar para abrir las caderas o alargar la espalda y los músculos isquiotibiales".

Ejercicio de estiramiento de psoas para arabesque

1. Arrodíllate sobre la rodilla derecha y con el otro pie frente a ti, las caderas cuadradas.

2. Abre las caderas y luego mueve tu peso hacia delante.

3. Eleva el brazo derecho cerca de tu cabeza. Continúa manteniendo la inclinación a medida que te inclinas hacia un lado de tu rodilla derecha. Mantén un par de respiraciones profundas.

Repita en el otro lado.


Regla 6: Liberación de músculos tensos

Muchas veces, cuando los músculos están tensos, han desarrollado puntos gatillo, dice Faulkner. "Si tienes un músculo lleno de puntos gatillo, no puede estirarse ni contraerse adecuadamente hasta que se libere". Si estás atrapado con un músculo obstinadamente tenso que limita tu extensión, consulta a un fisioterapeuta para que lo suelte manualmente o te aconseje sobre las mejores formas de usar un rodillo o pelota de espuma.

Escrito por Candice Thompson

domingo, 29 de abril de 2018

Día internacional de la Danza

En 1982, el Comité de Danza de ITI (Instituto Internacional de Teatro) fundó el Día Internacional de la Danza, que se celebra todos los años el 29 de abril, el cumpleaños de Jean-Georges Noverre (1727-1810), creador del ballet moderno. La intención del Mensaje del Día Internacional de la Danza es celebrar la danza, deleitarse con la universalidad de esta forma de arte, cruzar todas las barreras políticas, culturales y étnicas, y unir a las personas con un lenguaje común: la danza.

Cada año, un mensaje de un destacado coreógrafo o bailarín circula por todo el mundo. El autor del mensaje es seleccionado por el Comité Internacional de Danza de ITI y el Consejo Ejecutivo de ITI. El mensaje se traduce a numerosos idiomas y se distribuye a nivel mundial.

 

Los objetivos del Día Internacional de la Danza son:
  • Promover la danza en todas sus formas alrededor del mundo.
  • Hacer que las personas tomen conciencia del valor de la danza en todas sus formas.
  • Permitir que la comunidad de la danza promueva su trabajo a gran escala, para que los gobiernos y los líderes de opinión sean conscientes del valor y la importancia de la danza en todas sus formas y la apoyen.
  • Disfrutar de la danza en todas sus formas y por sí misma.
  • Compartir la alegría de la danza con los demás.

Para celebrar el 70º aniversario del Instituto Internacional de Teatro y subrayar el aspecto transcultural e internacional de este lenguaje común, la Danza, el Consejo Ejecutivo y el Comité Internacional de Dance del ITI han seleccionado cinco autores para escribir un mensaje: uno de cada una de las cinco regiones de la UNESCO: África, América, Países Árabes, Asia-Pacífico y Europa.
  •  África: Salia SANOU, Burkina Faso.
  • Países árabes: Georgette GEBARA, Líbano.
  • Asia-Pacífico: Willy TSAO, Hong Kong, China.
  • Europa: Ohad NAHARIN, Israel.
  • América: Marianela BOAN, Cuba.
 

Mensaje del Día Internacional de la Danza 2018 - Europa 
Ohad Naharin, Israel
Coreógrafo, director artístico del Batsheva Dance Company y creador del lenguaje de movimiento GAGA. 

"Bailar es estar en el momento. Se trata de escuchar las sensaciones y permitir que esa escucha se convierta en el combustible de todos los sentimientos, formas y contenido. Sin embargo, deberíamos recordar siempre de dónde venimos.

Cuando me preguntan de qué trata mi trabajo, primero respondo que se trata de sí mismo. Trata de cómo todos sus elementos se encuentran para crear su historia. Una historia del volumen, la delicadeza, del uso del poder explosivo. La investigación del movimiento, la organización y la estructura. Reirse de uno mismo, de la dinámica, la exageración y el eufemismo, la conexión del placer y el esfuerzo, y la sublimación de la locura, pasión y fantasía de cada bailarín en una forma clara.

 

En el mejor de los casos, la danza puede ser sublime, incluso si está lejos de ser perfecta. Necesitamos resistir al pensamiento conservador y convencional que tiene sus raíces en gran parte de la educación y la formación de la danza, y sustituir las ideas viejas por una nuevas y mejores.

Y siempre debemos recordar bailar un poco todos los días... pero nunca frente a un espejo".

Biografía - Ohad Naharin (Israel)


Ohad Naharin es coreógrafo, director artístico del Batsheva Dance Company y creador del lenguaje de movimiento GAGA.

Nacido en 1952 en Mizra, Israel, se unió a la Batsheva Dance Company en 1974 a pesar de tener poca formación. Durante su primer año, la coreógrafa invitada Martha Graham lo invitó a unirse a su compañía en Nueva York, donde luego Naharin realizó su debut coreográfico en el Kazuko Hirabayshi Studio en 1980. En la siguiente década presentó su trabajo en Nueva York y en el exterior, incluyendo piezas para la Batsheva Dance Company, Kibbutz Contemporary Dance Company y el Nederlands Dans Theater. Naharin trabajó junto con su primera esposa, Mari Kajiwara, hasta su muerte en 2001 causada por un cáncer.

En 1990, Naharin fue nombrado Director Artístico del Batsheva Dance Company, y en el mismo año, estableció la división junior de la compañía Batsheva -the Young Ensemble. Desde entonces, ha creado más de treinta obras para ambas compañías y piezas para muchas otras. También ha colaborado con músicos como The Tractor's Revenge, Avi Balleli y Dan Makov, Ivri Lider y Grischa Lichtenberger. Bajo el seudónimo de Maxim Waratt, compuso, editó y mezcló muchas de sus propias bandas sonoras. El trabajo de Naharin ha aparecido en varias películas, incluyendo Out of Focus (2007) de Tomer Heymann y Mr. Gaga (2015) de los Hermanos Heymann.

Además de su trabajo en escena, Naharin también desarrolló GAGA, una innovadora investigación sobre el movimiento y el entrenamiento diario de los bailarines de Batsheva, que se ha extendido internacionalmente entre bailarines y no bailarines.

Ciudadano de Israel y Estados Unidos, Naharin vive actualmente en Israel con su esposa, la bailarina y diseñadora de vestuario Eri Nakamura, y su hija Noga.
 

lunes, 23 de abril de 2018

Entrevista y fotos con la reina del burlesque, Dita Von Teese

Me autodenomino una evangelista del glamour porque me encanta predicar sobre el poder de éste para construir confianza: Dita Von Teese


Dita Von Teese, la estrella más brillante del burlesque. Es una artista que ha continuado fascinando y cautivando la atención de su público desde su debut en escenarios internacionales en los años noventa. Ella ha cultivado una de las carreras más interesantes. Su presencia está en múltiples espacios de entretenimiento, moda, belleza y cultura popular. Su público y admiradores son personajes de Hollywood, así como los nombres más grandes de la moda, y algunos de los personajes más excéntricos de la noche han sido cautivados por Dita. La presencia de Dita es innegablemente grande y posee poder con cada paso de sus Louboutin. Ella está en el ámbito del glamour y ha demostrado ser un éxito en todo lo que hace con su propia línea de lencería, su propia fragancia, autora de Your Beauty Mark: The Ultimate Guide Eccentric Glamour y ha abarrotado espectáculos burlesque en todo el mundo.
 
A diferencia de la mayoría de las celebridades, Dita Von Teese ha capturado la atención de muchos, pero aún manteniendo mucho de su vida en privado. Tiene un público fiel que se interesa por el camino y logro de Von Teese. Nos sentamos con Dita durante su sesión para preguntarle sobre su deslumbrante carrera y conocer más sobre esta estrella.

Josef Jasso: Tu compromiso con el glamour es muy impresionante. Es un trabajo de tiempo completo. ¿Qué poder tiene el glamour y qué significa para ti? 

Dita Von Teese: El glamour trata sobre el atractivo estético, se trata de crear tu propio mito, tiene muy poco que ver con la belleza que te da Dios, o tener dinero ... y no depende de la juventud. Es difícil de definir, y eso lo hace maravilloso. Lo sabes cuando lo ves, y ni siquiera tienes que ser bonita para poseerlo. Glamour es para cualquiera que lo quiera ... es sobre el arte de la transformación. ¡Ver lo mejor de ustedes encenderá la chispa interior! Eso es el motor del glamour.

Me autodenomino una evangelista del glamour porque me encanta predicar sobre el poder de éste para construir confianza. Yo utilizo el glamour como una forma de hábito, al poner lo mejor de mi hacia adelante tanto como sea posible, y luego se vuelve sin esfuerzo. No paso mucho tiempo preparándome para el día. Puedo ser glamourosa con labial rojo, gafas de sol y un simple vestido. No tiene que tomar mucho tiempo, sólo tiene que ser entendido y cultivado.

JJ: Te vas de vuelta en gira con tu nuevo espectáculo burlesque en vivo The Art of the Teese, ¿qué podemos esperar de tu show?

DVT: The Art of the Teese muestra algunas de mis estrellas burlesque preferidas de todo el mundo. Siempre estoy buscando talento que sea muy distintivo, único que aporte algo nuevo a los ideales burlescos. Para The Art of the Teese, estoy realizando nuevos actos junto con una nueva versión de mi acto del martini de vidrio. En cuanto a la alineación, tenemos Dirty Martini, Zelia Rose de Australia, Jett Adore de Chicago, además de Ginger Valentine realizando uno de mis actos de filigrana gigante con forma de corazón rojo.

Nuestro anfitrión es Jonny McGovern de Hey Qween, y estoy emocionada de anunciar que contaremos con la ganadora de Drag Race, Violet Chachki, durante toda la gira. Además, tengo mis talentosos y guapísimos Vontourage, dos increíbles bailarines que me apoyan en el escenario. Han añadido una nueva dimensión al espectáculo, estoy absolutamente emocionada por ellos.

JJ: Cuando estás en el escenario y eres el centro de atención, ¿cuáles son tus pensamientos? ¿Cómo fue tu experiencia la primera vez sobre un escenario?


DVT: Creo que la audiencia puede percibir pensamientos, así que mi mente se llena con reflexiones traviesas y juguetonas que están alineadas con la coreografía. Yo reacciono a cada prenda de ropa que saco, y cada gesto que hago tiene emoción conectada a ésta. Cada movimiento y acción tiene un pensamiento detrás de él, que es privado pero creo que el público puede sentir algo. Es difícil para mí responder sobre mi primera experiencia porque mi vida entera he estado sobre el escenario de una forma u otra. Yo era una bailarina de ballet desde que era una niña pequeña, y empecé a hacer burlesque en clubes nocturnos y clubes de striptease en los noventa y así que no había realmente una gran “primera vez”. En los últimos años, es donde he llegado a disfrutar realmente los momentos, para conectar plenamente con la audiencia de manera que no creo que podría entender cuándo fue la primera vez que comenzó. Mi audiencia cambió drásticamente de masculino a femenino alrededor de los 2000, y ahora hay algo realmente especial que viene de estar frente una audiencia de más de 2500 fans, en su mayoría mujeres. Para mi, es una inspiración. Un momento que representa algo más, e incluso más que mi experiencia de estar en el escenario, estoy orgullosa del show que he construido junto con un elenco que representa varias facetas de burlesque moderno.

No es un espectáculo de chicas pinup lindo. Tenemos tanto hombres como mujeres en el espectáculo, y me esfuerzo por expresar la diversidad con respecto a la belleza, la edad, la etnicidad y la personalidad. Es muy importante para mí presentar esto.

JJ: Siempre estás y eres glamourosa. Nos hablas del momento en que te sentiste en el punto más alto de tu glamour.

DVT: Me siento muy glamurosa en mis shows ... ¡Es entonces cuando estoy realizada al 100%! Cubierta en glamour, de pies a cabeza y bañada en luz rosa.

JJ: Tu libro es una guía para el glamour para aquellos que quieren tomar las riendas de libertad y belleza. ¿Cómo te describirías en este mismo momento? 

DVT: Me siento segura y fuerte ... la chica glamour y la empresaria están plenamente conectadas.

JJ: ¿Cuál es el perfecto labial rojo?

DVT: Llevo muchos rojos, pero me encanta MAC Ruby Woo para el uso diario y Diorific L’Ange Bleu por la noche.

JJ: Si pudieras organizar una cena con cinco personas muertas o vivas, ¿a quién invitarías?

DVT: Mae West, Betty Grable, Fred Astaire, Diana Vreeland, Salvador Dalí ( ¡Se necesita un buen equilibrio de hombres y mujeres!)

JJ: ¿Cuáles han sido algunos de los mejores consejos que te han dado?

DVT: Llevar protector solar, ¡y no fumar cigarrillos! (He oído esto de varias hermosas mujeres mayores)

lunes, 16 de abril de 2018

6 bailarinas superiores de danza contemporánea del siglo XX


Isadora Duncan (1877-1927)

Duncan es una de las bailarinas más reconocidas en la historia de la danza contemporánea. Rompió con las reglas de la danza clásica, los movimientos, los pasos, las posiciones y todo lo que estaba establecido hasta ese momento.

Esta bailarina destacó por su innovación y por crear su propio estilo, es por eso que se le conoce como la madre de la danza moderna. En sus obras e interpretaciones se inspiraba en la cultura griega.

Su base era crear movimientos naturales, expresar desde dentro y no tener que seguir con los que dictaban hasta entonces.


Martha Graham (1894-1991)

Martha Graham es otra de las bailarinas más importantes en este tipo de danza. Fue bailarina, coreógrafa y profesora de danza y entre estas diferentes etapas desarrolló movimientos provenientes de la emoción.

Creó una danza moderna diferente, movimientos de contraer y soltar. Como ya hemos dicho, sus movimientos venían de sus emociones, cortantes, angulares…

Hoy en día, en Estados Unidos aún existe la academia de baile de Martha Graham, la más antigua del país.


Katherine Dunham (1909-2006)

Bailarina y coreógrafa estadounidense. Creó una academia de danza en Estados Unidos donde todos los alumnos eran afroamericanos. Dunham es conocida como la madre de de la danza moderna africano-americana.

Originalmente era bailarina de danza clásica, cuando empezó a descubrir la cultura africana, añadió movimientos tanto en la danza clásica como en la moderna.

Cabe decir que la técnica de Katherine Dunham sigue en pie hoy en día y es uno de los fundamentos más importantes en la danza moderna de Estados Unidos.


Mary Wigman (1886-1973) 

Bailarina alemana y una de las más importantes en la historia de Europa. Wigman enseñó que no existen movimientos bastos o feos sino que los movimientos que dejas salir de tu cuerpo es la representación gráfica de tus emociones y sentimientos.

Su filosofía de danza sigue teniendo una gran influencia en Europa y también en América junto con Hanya Holm con quién estudió en una academia.


Hanya Holm (1893-1992)

Hanya Holm, natural de Alemania, estudió con Mary Wigman. Se mudó a Nueva York donde estudió más a fondo la técnica de Wigman.

Esta bailarina enfatizó los movimientos de la espalda y el torso y su base era la improvisación. Según Holm, era más importante lo que un bailarín expresaba con su cuerpo que lo que dictaban las normas de la danza.

Sus trabajos fueron destacados, su obra Metropolitan Daily fue la primera coreografía de danza moderna que se retransmitió por televisión y fue una de las coreógrafas de los musicales de Broadway.


Doris Humphrey (1895-1958)

Humphrey es una de los “Big Four”, los cuatro grandes bailarines que establecieron los fundamentos de la danza moderna norteamericana.

Creó coreografías basadas en los sucesos del momento. Junto Charles Weidman, fundó una compañía de danza moderna que llevó sus obras por todo el país estadounidense.

Actualmente aún se estudian, por todo el mundo, las coreografías de esta bailarina.


lunes, 9 de abril de 2018

Cómo las Syncopated Ladies encontraron la fórmula para el éxito viral


En un vecindario industrial sin pretensiones al este del centro de Los Ángeles, cinco bailarinas de claqué están apiñadas en un bunker convertido en tap-studio. Con suelos de cemento y un interior sin ventanas, en forma de túnel que recuerda a las antiguas estaciones de metro de Londres, parece un lugar muy por debajo de la tierra.

"Like a Boy" de Ciara estalla a través de los altavoces, y las bailarinas, vestidas de camuflaje y con zapatos dorados, se pasean mirando hacia las luces y la cámara, los ojos enfocados hacia adelante, los cuerpos vibrando con energía. "Ojalá pudiéramos cambiar los papeles", canta Ciara, y las Syncopated Ladies, dirigidas por la coreógrafa Chloe Arnold, golpean con fuerza, una y otra vez, mientras el director de fotografía desliza la cámara por una pista al otro lado de la sala, capturando todos sus movimientos.


Las Ladies están grabando su último video, el número 15 de una serie que, en general, se ha vuelto viral. "La canción habla de cambiar roles", explica Arnold. "Camina un día en mi lugar, y tendrás compasión y comprensión de lo que es ser una mujer, luchando contra las opresiones a diario. Se trata de liberarte, de no dejar que el condicionamiento te detenga".

Es la canción perfecta para este momento de la historia y para una compañía basada en la sororidad, una filosofía que no solo se articula y se baila, sino que se siente. Antes de que comience la grabación, Arnold da una cálida bienvenida a todos (recordando el nombre y el papel de cada persona); las bailarinas se preparan cantando "¡Team work, dream work!" A pesar del hecho de que tienen que repetir la pieza más de tres docenas de veces mientras se toman imágenes desde varios ángulos, no se escucha ni un ápice de queja. La alegría y el poder que sienten cuando bailan es contagioso.

 

Las Syncopated Ladies han estado juntas durante casi 15 años, pero la compañía se expandió en 2012 después de que Arnold hubiera ahorrado dinero para invertir en el grupo. Su formación, de hecho, nació de la constatación de que prácticamente todos los bailarines célebres de claqué -Bill "Bojangles" Robinson, Gregory Hines, Savion Glover- eran hombres.

"La ironía", dice Arnold, "es que crecí bailando con mujeres". No fue hasta que tuvo 16 años y estudiaba con Debbie Allen -quien fue su mentora desde entonces- que Arnold se dio cuenta de que ella también podría ser una artista. "Ella despertó mi conciencia de que podía hacer este arte tal y como imaginaba. No tenía que meterme en una caja para tener éxito".

En 2012, en colaboración con las otras bailarinas -incluida su hermana y productora de la compañía, Maud Arnold-, las Ladies lanzaron su primer video, para "Where Have You Been" de Rihanna. Obtuvo 70.000 visitas, lo que las sorprendió.

Pero fue un pequeño reconocimiento por parte de Beyoncé al año siguiente lo que las envió a la estratosfera. La estrella compartió su video "End of Time" en su página de Facebook, con una simple afirmación: "They killed it!" Justo después: apariciones en "So You Think You Can Dance", una campaña para el cabello de Cantu Beauty, una gira internacional y una invitación para presentarse en la Convención Nacional Demócrata 2016.

Fue la empujón para una compañía que se basa en los principios de colaboración y apoyo, pero no terminó allí. Cuando "Formation" de Beyoncé salió en 2016, Arnold sabía que tenía que hacer la coreografía. El producto final no solo presenta a la compañía, sino que también integra imágenes de mujeres de todo el mundo que realizan los pasos de Arnold. Esta vez, Beyoncé exhibió el baile en la página principal de su sitio web y en sus redes sociales, e invitó a las Ladies a actuar en un evento para el lanzamiento de su línea de ropa, Ivy Park, en Topshop en Londres. "Con solo presionar un botón, ella abrió el camino para que las mujeres del tap fueran escuchadas", dice Arnold.

Parte de por qué estos videos resuenan tan fuertemente es su mensaje: "Tú, mi hermana, importas", explica Arnold. "No dejes que nadie te intimide". El tema de Ciara, en particular, explora la complejidad de los roles de género, algo a lo que la mayoría de las mujeres pueden conectarse. "No estamos limitadas a ser femeninas. Somos duras, pero nuestra dureza no es algo que tenga que echar para atrás a las personas y no tiene que ser estigmatizado como malo".

Pero el otro atractivo es puramente estético: estas mujeres realmente bailan muy bien. Todas han sido entrenadas en géneros múltiples, y eso llega a través de su tapping.

"Su pasión, vigor y energía son innegables", dice la directora de video Becca Nelson, que ha estado colaborando con la compañía en contenido visual durante los últimos años. "Son capaces de mostrarlo en la cámara y hacerlo llegar a la gente". También enfatiza que están trabajando en un mercado sin explotar increíblemente experto, aprovechando la música popular y reconocible. Es familiar para el público, a la vez que presenta una forma de arte que de otra manera no disfrutarían.

Las Ladies se encuentran actualmente en el estudio componiendo música original y colaborando con otros artistas. Y a finales de este año, planean realizar su concierto, Syncopated Ladies: Live, de regreso en la carretera para giras internacionales y en EE.UU.

Pero Arnold tiene una visión aún más grandiosa para la compañía. Está decidida a brindar oportunidades para que las niñas de todo el mundo aprovechen, para animar a las mujeres de la misma manera que otras, como Debbie Allen y Beyoncé, han hecho por ella. "Queremos ser líderes en cómo se ve y se recibe el tap. Queremos enseñar a las niñas a tener sus propias voces. Ser ellas mismas. No tener miedo".